Dentro de todo el contenido que tenemos en esta era digital, en las plataformas, en el cine, en el internet, conjunto con las redes sociales, compitiendo por quién se lleva tu atención, encontré en estas películas un refugio a estas distracciones. Un espacio en el que solo podía pensar en lo que estaba viviendo desde mi pantalla, y es por eso que están dentro de mi top cinco películas favoritas del año.
5. Sorry, baby – Eva Victor
Sorry, baby es una historia desgarradora pero con mucha esperanza, en la cuál nos muestra a Agnes, la protagonista, interpretada por la directora de la cinta, la cual lidia con un trauma que iremos descubriendo conforme avanza la trama. Explora la amistad femenina y los efectos duraderos de la violencia. La cinta sabe cuándo buscar las risas y cuándo dejarte sin palabras. Te muestra el balance perfecto entre la comedia y el drama, junto con sus grandiosas actuaciones, llenas de alma, de la mano de un guión muy bien escrito. Estoy muy emocionada de ver lo siguiente que nos presentará Eva.
4. Bugonia – Yorgos Lanthimos
Bugonia te muestra una crítica a la sociedad moderna desde una exploración sobre el libre albedrío y el control. Con un tono loco y extremo, Yorgos, examina la libertad de pensamiento, llevándola al límite con las teorías conspirativas. Utiliza estos conceptos de manera muy inteligente y a la vez entretenida, sumándole los guiones que sacan lo mejor de sus actores, en este caso el papel principal que hace Emma Stone (con quién trabajó el director anteriormente en “Pobres Criaturas”), junto con el papel secundario de Jesse Plemons en el que se pierde totalmente en la locura de su personaje.
3. Urchin – Harris Dickinson
La ópera prima ”Urchin» del actor Harris Dickinson nos presenta a Mike, nuestro protagonista, una persona homeless que vive luchando una adicción a las drogas. De primera, la sinópsis de la película suena densa, pero Dickinson demuestra ser un excelente director y guionista atrapándote desde el primer minuto, haciendo que el tiempo pase más ligero. Nos presenta un personaje humano, que comete errores, pero también te hacer reír, toda esta mundanidad que vive junto con los personajes secundarios que lo acompañan. Es cruda, sin ser cruel, y me un excelente debut de Dickinson, que decidió explorar el rol de director y escritor (habiendo destacado como actor en el pasado).
2. Sinners – Ryan Coogler
Esta película llamada “Sinners” fue mi sorpresa cineasta del año. En primer lugar, por su director Ryan Coogler, ya que su trabajo anterior no me había terminado de convencer, pero una vez que vi Sinners, mi perspectiva cambió por completo ya que aquí nos muestra una mezcla ambiciosa y distinta, la cual contiene terror, música e historia afroamericana, todo de manera perfectamente equilibrada. Por otro lado toma la decisión de traer de vuelta a Michael B. Jordan como su protagonista, esta vez por partida doble, siendo esa versatilidad que presenta Jordan actuando de los gemelos Smokestack de lo mejor de la película. No me sorprende que haya vencido el récord histórico de nominaciones a los Oscars 2026 (16 nominaciones), desde mejor director, actor, película y más.
1. One Battle After Another – Paul Thomas Anderson
De las películas más políticas y que dieron de qué hablar este año, lo que P.T.A nos regaló fue una experiencia cinematográfica que emociona, divierte y te hace estar al borde del asiento por las casi tres horas de duración. Esta película está en mi puesto número uno porque lo tiene todo, desde actuaciones reveladoras como la de la actriz Chase Infiniti, hasta actuaciones de nivel como la de Leonardo Dicaprio, una energía que no para ni un segundo.
Es una sátira política que sigue a un grupo de ex revolucionarios en una misión de rescate, lidiando con sus traumas, basándose en la novela Vineland de Thomas Pynchon. Tiene una manera muy innovadora de mostrar el estado político actual sin caer en discursos extremistas y enseñándole a la audiencia a analizar lo que está consumiendo. Sin duda, mi ganadora.
Para su último año en el Istituto Marangoni (Cede de Londres), Micaela Ismodes Solé nos transporto a un universo donde la belleza se encuentra con lo inquietante en su colección REDRUM. Inspirada en el cine de terror y en la fascinación personal por lo macabro, la colección explora la dualidad entre feminidad y oscuridad. En esta colección se veno solo la estética tétrica, sino también la conexión de la diseñadora con sus raíces peruanas, ofreciendo una visión profundamente hipnótica.
Desde el primer momento, incluso sin conocer su contexto, me sentí atraída por la colección. Pero fue al leer sobre ella y descubrir la historia detrás que supe que tenía que entrevistar a Micaela. Así que, sin más, acá va mi conversación con la diseñadora Micaela Ismodes:
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B: Tu colección está inspirada en el cine de terror, y el título parece hacer referencia a la película The Shining. Sin embargo, la estética me remite más a Suspiria. ¿Hubo alguna película en particular que influyera directamente en la estética de la colección?
M: De todas maneras fueron varias películas. De hecho el nombre REDRUM fue algo muy espontáneo, osea, The Shining (Stanley Kubrick) siempre ha sido una de mis películas favoritas dado a que se inclina hacia el terror psicológico y no tanto a los jump scares, pero digamos…también me han inspirado películas como Midsommar(Ari Aster), en particular la ideología del May Queen. En general he tomado inspiración de varias películas pero diría que como principales me guie de The Shining, Midsommar y Suspiria(Luca Guadagnino).
PROCESO DE INVESTIGACIÓN
B: Para ti, ¿qué representa la colección?
M: La colección representa a mi versión más joven, aquella que en algún momento sentía miedo por este mundo tenebroso pero lentamente empezó a estar fascinada por él. Este género de cine está tan presente en mi ser que siento que todos a mi alrededor están conscientes de eso. Siempre me he aferrado mucho a ese gusto tan particular, y, de hecho, mis hermanos y amigos también suelen sentirse atraídos por este universo.
B: ¿Cuál es el simbolismo de las orquídeas? Pero más allá, cuál es su importancia?
M: Vienen por mi mamá, ya que a ella le encantan las orquídeas y siempre han estado presentes en mi casa. Al crecer, siempre la vi cuidarlas y observarlas con dedicación. Personalmente, me parecen flores preciosas, pero al mismo tiempo he visto orquídeas que pueden evocar cierto terror, ya sea por su silueta o por su color. Muchas veces, sus tonos son muy intensos, como un rojo oscuro que me recuerda a la sangre, o un marrón peculiar que imita el color de un moretón. Con el tiempo, los moretones se tornan amarillentos, y ese tono también aparece en algunas orquídeas. Además, hay flores que presentan pequeños puntos que siempre me han recordado a manchas de sangre, específicamente a blood splatter.
B: Ya que esta colección fue desarrollada en Londres, hay algún lugar en específico al cual fuiste para buscar inspiración?
M: Bueno, yo empecé a ver películas de terror cuando aún vivía en Lima, y cuando me mudé a Londres, siento que seguir viéndolas me ayudó a sobrellevar la transición, que fue bastante dura. Tuve que dejar a mi familia y amigos, así que estas películas se convirtieron en una especie de compañía. Era algo familiar en Lima y terminó siendo algo familiar en Londres también, una constante que mantuve allá y que sigo teniendo acá. Pero más allá, siento que Londres en general es una ciudad muy interesante para la moda que me ayudó a formarme como diseñadora porque siento que en Lima no me hubiese atrevido a salir tanto de mi zona de confort.
B: Te quería preguntar sobre la sostenibilidad dentro de tu colección. Vi que trabajaste con escamas de pez Paiche. ¿Cómo funciona ese proceso?
M: Bueno, el paiche es un pez que se encuentra en el Amazonas. Su carne se consume bastante, por lo que, de alguna manera, se genera un “desperdicio” entre comillas con la piel del paiche. Yo he trabajado con un proveedor (@qayacuerodepescadoperuano) que maneja procesos éticos y sostenibles en la obtención y tratamiento de estas pieles. Este material se llama Qaya, que se traduce como cuero de pescado. Desde la forma en que ha sido utilizado hasta sus escamas , que al inicio no planeaba incorporar de manera tan prominente en la colección, se volvieron una parte clave para mi ya que al teñirlas de rojo me quedé obsesionada con la textura, la profundidad y el color. Definitivamente fueron un elemento que elevó mi colección.
B:El color más resaltante es el rojo vino, el cual refleja la sangre tan frecuentemente encontrada dentro del mundo del terror. ¿Hay algún otro simbolismo para este color? ¿Qué representa para ti?
M: En parte, es por su relación con la sangre, pero por el otro lado cuando la sangre se oxida, su tonalidad cambia y se acerca más al marrón. El rojo intenso me parece un color que despierta muchas emociones: algunas personas lo asocian con la pasión, otras con el amor o incluso con la agresión. Es un color dominante, que exige atención, que sobresale por naturaleza.
Hay una escena en The Shining donde el pasillo se inunda de sangre, y esa imagen sirvió como inspiración para las escamas rojas. De cierta manera, quería evocar la forma y el movimiento de las olas en ese momento, cuando el pasillo se llena por completo. Así que sí, creo que el color, en esencia, debía representar un poco la sangre.
B:Enfocándonos en las siluetas, tu colección tiene una combinación de ajustado y sobre-extravagante. Has presentado corsets que luego se extienden exageradamente en las caderas. ¿A qué se debe eso?
M: Mi colección juega con cosas que, personalmente, considero que pueden dar miedo. Por ejemplo, los corsets: en algún momento no se percibían como algo aterrador, pero el hecho de tener que amarrar a alguien, o que se necesiten dos personas para cerrarlo, tiene algo inquietante. Durante los fittings, todas las modelos sufrían cuando teníamos que quitárselos, porque era un proceso que requería de dos o más personas. Eso generaba una sensación desesperante, de angustia. Es una prenda restrictiva, que incluso puede sentirse claustrofóbica.
Más allá de eso, la casaca de paiche que hice está inspirada en las camisas de fuerza utilizadas en instituciones mentales, como las que aparecen en la segunda temporada de American Horror Story(Ryan Murphy). Para mí, esa sensación de tener tantos broches que cierran la casaca o un cuello tan alto… transmite peso, contención. Es una prenda pesadísima, casi como una frazada, y sinceramente, muchas personas no podrían llevarla puesta todo el día, igual que los zapatos. Si estuvieras en una película de terror y tuvieras que correr para sobrevivir… definitivamente no lo lograrías con esos zapatos.
También hay siluetas femeninas inspiradas en las orquídeas, trabajadas con telas transparentes. Es una combinación entre lo tenebroso y lo femenino, que crea un contraste único.
B: Cuando pensabas en el público, que fue lo que querías que tus atuendos evoquen?
M: Bueno, quería crear un espacio donde las personas que sienten apego por el mundo del terror pudieran identificarse. Una de mis grandes inspiraciones ha sido el diseñador Alexander McQueen, quien, a través de sus diseños, abordaba temas controversiales y de gran intensidad. Él buscaba una forma de llevar esos temas a la luz y provocar conversación. Yo también quería hacer eso: crear una colección más tétrica y oscura, algo inusual y retorcido.
B: Finalmente, siendo una diseñadora peruana, ¿cómo juega Perú dentro de este nuevo mundo que es ´Redrum´ ?
M: De hecho, los zapatos están inspirados en las zapatillas de punta del ballet, que son sumamente incómodas. La danza es hermosa, pero, al igual que en la película Black Swan(Darren Aronofsky), también puede generar cierta inquietud. Mis plataformas son una reinterpretación distorsionada de esos zapatos de ballet, y además tomé inspiración de los chapines peruanos, que también se caracterizan por su altura.
En cuanto a los sombreros, también están inspirados en el Perú, específicamente en las monteras que se utilizan en la sierra. Cada uno fue personalizado para complementar el atuendo con el que iba. De todas formas, incluí detalles que me recuerdan y me conectan con el Perú, ya sea de manera literal o simbólica. Más allá de los accesorios, también están las escamas del pez paiche y las orquídeas, que son muy abundantes en el país. De alguna manera, he podido traer una parte del Perú conmigo a Londres.
Para concluir, quería darle un enorme agradecimiento a Micaela, quien fue más que generosa al compartir su proceso creativo y todo aquello que va más allá de lo que se ve a simple vista. Además, mis más sinceras felicitaciones por construir una narrativa tan hipnótica.
El pasado 6 de septiembre, Pulso tuvo la oportunidad de asistir al Launch Party de Sinners by SCUM, un evento en formato pop-up que reunió a marcas peruanas de moda independiente. Entre ellas estuvieron Puro Cero, Dekonz, Marco K. Suice, Pessio Nuce y, por supuesto, SCUM. Cada firma presentó propuestas fieles a su identidad creativa, ofreciendo una visión única dentro de la escena local. Los diseñadores, además, nos recibieron con gran cercanía y entusiasmo, compartiendo detalles sobre los proyectos que dieron vida a la muestra.
Puro Cero, marca fundada por Giulianna Sánchez y Leyla Lulú, nació inicialmente como una editorial para transmitir su visión sobre lo que significa ser mujer. El proyecto buscaba expulsar aquello que oprime y reivindicar la libertad de ser mujer: “nacer libres”, como señalaron sus creadoras. Lo que comenzó como una editorial terminó convirtiéndose en Puro Cero, marca que debutó con su colección Hiedra. El concepto explora las raíces de sus diseñadoras —Giulia, de Cuzco, y Layla, de Piura— y su deseo de mantener vivas esas influencias en una ciudad de concreto, tal como Lima, compartiendo con su público aquello que las formó, es decir, sus raíces.
Aldana Landauro, fundadora de Dekonz, nos introdujo en un universo de color inspirado en su propia identidad. Durante la pandemia experimentó con su estilo, pasando del negro, que sentía socialmente aceptado, a una paleta vibrante que refleja diversión en medio del caos. Sus prendas no solo destacan por los tonos intensos, sino también por la diversidad de texturas y patrones que las hacen únicas. Además, su compromiso con la sostenibilidad de sus materiales, dominando el arte del upcycling, potencia la creatividad de la marca, siendo capaz de reimaginar antiguas prendas hacia algo sin precedentes y con propósito.
Siuce, creada por Marco Siuce junto a Andy Siuce (también enfocado en su proyecto Prototyves), nos presentó una propuesta profundamente conceptual. La marca imagina prendas traídas de un universo propio, donde se entrelazan futuro y presente. La colección posterior al evento explora qué ocurriría si el ser humano dejara de diferenciar los elementos, generando así nuevas formas de vestir. Esta idea evoluciona en su última entrega, centrada en “vestir los recuerdos” y en la pureza del blanco. Las piezas, de estética futurista, juegan con el contraste entre materiales naturales y sintéticos, aportando además un aire deportivo.
Fundada por Milagros, Pessio Nuce nació para llenar un vacío en la escena local: ofrecer moda a un público atrevido y rebelde, que disfruta del color y de un estilo disruptivo. La diseñadora sintió la necesidad de una propuesta de esta naturaleza, decidiendo cubrir ese espacio. Aunque se inspira en la moda japonesa y en diversas subculturas, Milagros busca que cada prenda conserve una esencia personal, nutrida de todo aquello que la define. “Que sea colorido, divertido y, al mismo tiempo, versátil para cualquier ocasión”, comentó la diseñadora al describir sus prendas.
Aitana Salas, fundadora de SCUM, explica que lo más importante al dirigir una marca es reforzar la identidad de su público objetivo, para que puedan expresarse a través de la ropa. Su principal inspiración es generar empoderamiento en sus clientes y que la marca funcione como un espacio de conexión y confianza. SCUM juega con referentes de la cultura pop, es decir películas, personajes icónicos y libros, como punto de encuentro con las personas. La paleta de color varía según cada colección y sus influencias: mientras en el pasado predominaban los tonos vibrantes, en la actual destacan el negro, gris y blanco. Cada entrega se adapta tanto a las tendencias como a las demandas de sus clientes, manteniendo siempre una propuesta distinta pero fiel a la marca.
El martes 26 de agosto tuve el honor de asistir al desfile de Nuevo Mundo, donde se presentaron diversas propuestas en denim y drill. Más que una empresa textil, Nuevo Mundo apuesta por soluciones integrales: desde el material textil hasta el desarrollo de producto, explorando tendencias, colores, siluetas y procesos de lavado.
Junto a su diseñadora líder, Ayellein Alayo, la firma busca compartir su conocimiento y pasión por el denim con los demás. El desfile presentó cuatro colecciones: Simplicity, Pretty Dreams, Club 26 y Renaissance.
Simplicity exploró un minimalismo funcional bajo la premisa de “menos es más”, con básicos combinados con tendencias actuales. Destacaron siluetas flare inspiradas en el cowboy de los 70s y el efecto wash-out. La diseñadora explicó que antes de cada colección realizan una investigación global y trend hunting en ferias y ciudades europeas que luego son aterrizadas para el mercado peruano. En esta propuesta buscaban destacar sin excesos, manteniendo la simplicidad con carácter, algo que lograron gracias al contraste de los lavados.
PASARELA SIMPLICITY
La segunda colección, Pretty Dreams buscó reflejar la creatividad del verano con un aire casual y lúdico, a través de una paleta vibrante y detalles florales. Dos tonos resaltaron especialmente: aqua y coral. Aunque me cuestioné si su elección estuvo influenciada por el reciente anuncio del álbum de Taylor Swift , donde predominan esos colores, Ayellein aclaró que ya figuraban en las macrotendencias previas. El anuncio, sin embargo, reforzó la decisión de incorporarlos.
Más allá de los colores, la diseñadora destacó el uso de flores como símbolo de romanticismo, presente en su investigación de estampados. Aunque ya habían trabajado lo bohemio en temporadas pasadas, esta vez lo reinterpretaron con un enfoque más moderno. Al ser una colección mixta, también buscaron cuestionar las normas de género y mostrar cómo lo masculino puede adoptar rasgos femeninos.
Club 26 presentó un estilo preppy y varsity con guiños utilitarios y texturas desgastadas. El look de apertura, un polo oversized rojo con números blancos, evocaba el aire universitario y me recordó a la portada del nuevo álbum del cantante SOMBR. Desde mi experiencia en moda, este estilo se repite con frecuencia, y la diseñadora explicó que su vigencia radica en su versatilidad: no es del todo formal ni informal, pero siempre funcional, lo que lo convierte en una apuesta recurrente.
La última colección, Renaissance, fue la más impactante por su propuesta inédita: un lujo en denim fusionado con arte y cultura. En colaboración con el patrocinador italiano TONELLO, se aplicó tecnología sostenible y láser para imprimir imágenes del Renacimiento sobre el denim. Aunque las siluetas se mantuvieron simples, el verdadero reto estuvo en elegir los artículos adecuados para resaltar el contraste de los estampados.
CONCLUSIÓN
En mi opinión, Nuevo Mundo está realizando un gran trabajo de desarrollo y evolución, no solo en diseño y propuestas, sino también en sostenibilidad. Destacan sus esfuerzos por reducir el consumo de agua y energía mediante el uso de ozono, así como la disminución de químicos en sus procesos. Desde 2024 han consolidado alianzas institucionales, como con SUNASS para la conservación del agua, y han ofrecido capacitaciones en la Facultad de Ingeniería Ambiental de la UNAC sobre eficiencia energética.
En cuanto a las colecciones, considero que Nuevo Mundo posee el talento y los recursos necesarios para adaptarse y evolucionar. El desfile ofreció al público una visión de futuro en la moda y culminó de manera impecable. Finalmente, ofrezco mis felicitaciones y agradecimiento a la jefa de NM Studio, Ayellein Alayo, y a todo el equipo de NM Studio.
A las diez de la mañana María y yo nos encaminamos al metro, ansiosas de conocer a Paulo Ruiz Muñoz, el primer diseñador peruano al que voy a entrevistar, al primer vocero de un mundo que anhelo descubrir.
La dirección es 35 Rue Blanche, María y yo seguimos a Google Maps, que nos hace bajar por el área de Montmartre, hasta llegar a Artivistas, una galería de arte que se dedica a promover el arte y diseño latinoamericano en la capital francesa.
A nuestra izquierda, vemos a Paulo Ruiz Muñóz, con un saco lila y unos light wash flared jeans, uno de los gemelos de la marca peruana, D.N.I.
Paulo Ruiz Muñóz frente a Artivistas Café, en París. Lugar del pop-up de la marca.
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A: ¿Por qué se mudaron a Francia a los 12 años?
P: Nosotros venimos de un pueblito que se llama Casagrande, una hacienda azucarera a una hora de Trujillo, que estaba muy alejado de todo. De pura casualidad, el esposo de mi mamá, que nos adoptó de pequeños, salió de Perú un poco antes de los años 2000, cuando mucha gente salió del país. Él quiso ir a Francia, comenzó a trabajar ahí unos años, y luego con la Ley de Reagrupación Familiar, pidió que vayamos todos a Francia. Sin conocer nada de la cultura francesa ni el idioma, salimos de Casa Grande a París.
Estudiamos aquí parte del colegio, del liceo, hice el bachiller científico, porque quería ser al comienzo, arquitecto, pero cuando fui al puertas abiertas de la escuela, me sorprendieron más los estudiantes de moda. Así que decidí lanzarme y ver cómo me iba, pero era alejado, pues no conocía mucho de ese mundo. El primer año nos fue bien, segundo año también, y el tercer año salimos con uno de los mejores puestos. Fue un descubrimiento.
A: Felicidades. Te aventaste a lo desconocido.
P: Me gusta aventarme a lo desconocido siempre. Todo creativo se lanza siempre a lo desconocido porque lo conocido ya no tiene interés.
A: ¿Cómo fue el choque cultural cuando te mudaste a Francia? El sentimiento de desarraigo y extrañar a tu familia…
P: Fue bien duro. Felizmente éramos dos de la misma edad, con mi hermano gemelo vivíamos lo mismo, así que no era estar completamente solo. Ese sentimiento de soledad nunca lo he tenido porque siempre he tenido a alguien que me acompañe, aunque no vivimos juntos hoy en día. Siempre nos hemos podido apoyar en ese sentido.Pero fue duro, sí. La cultura francesa es bastante diferente a la nuestra, hay que vivirla para poder comprenderla. De cierto modo lo vivimos, hicimos todo nuestros estudios aquí, y logramos comprender a la gente después de eso. Ya vamos viviendo más tiempo en Francia que en Perú.
A: ¿Dirías que ya te has adaptado a la cultura francesa?
P: Diría que la comprendo. No sé si me he adaptado, pero sé cómo funcionan. Cómo reflexionan, cómo piensan, de cierto modo. Siempre estamos en esa doble cultura.
A: Claro, entiendo. Me ha pasado un poco viviendo en Milán los últimos años. ¿Igual consideras que tu hogar es Perú?
P: Después de cierto punto creo que ya no te haces esa pregunta, sino que eres parte de los dos.No soy completamente francés y nunca lo seré, pero no vivo lo cotidiano de un peruano, así que no puedo pretender eso tampoco. Desde que lanzamos D.N.I hemos estado lo más conectado posible al país, porque la marca habla de esa conexión y esos recuerdos. Esa conexión es importante porque sino estás hablando de cosas soñadas, pero para nosotros era imposible eso, porque estamos hablando de cosas reales.
A: ¿Cuando lanzaron D.N.I, tú y tu hermano?
P: Finales del 2019, casi comienzos del 2020.
A: ¿Estudiaron la misma carrera?
P: La misma carrera pero Roberto tiene una especialización en diseño de planos, patronaje como le dicen aquí. Yo hice diseño textil, pero los dos somos diseñadores de moda.
Tuvimos algunas experiencias antes, tuvimos una marca con un colectivo de diseñadores, y después de eso decidimos lanzar DNI porque sentimos que no había un espacio o una marca que hable o deje ver lo que podría ser una moda masculina latinoamericana o peruana, habían muy pocas marcas y las que veíamos no nos convencían. Tratamos de crear este diálogo entre nuestros recuerdos y lo que podría ser una marca de moda latinoamericana. ¿Qué es lo que contaría? Sin tratar de copiar en lo absoluto lo que se podía hacer aquí en París o otras capitales de la moda. La periferia, es decir, las ciudades fuera de las ciudades centrales dan proyectos interesantes cuando no quieren ser como ellos. Porque contar una historia auténtica siempre será más fuerte.
A: ¿Cómo se siente haber llegado a este punto en el que han sido reconocidos por su marca y pueden continuar su proyecto?
P: Nunca lanzamos este proyecto por reconocimiento, sino porque necesitábamos hacerlo.Al comienzo no teníamos referentes de moda masculina en Perú, que no estaban alineados a lo que queríamos contar. Era lanzar un proyecto que de cierto modo sería un primer granito de arena, para que de ahí hayan otros y comience a crear un terreno interesante. Desde el comienzo hemos comenzado interconectados, porque DNI no es solo una marca, es una plataforma. Hasta el día de hoy hemos trabajado con más de 20 artistas: sean arquitectos, diseñadores textiles, artesanos, de todo en verdad. Tratamos cada vez que hacemos una exposición, de conectar.
La última exposición de arte que hicimos en Madrid hace unos cuantos meses, había dos artistas mujeres que tienen un trabajo muy interesante, más el nuestro. Siempre tratamos de crear ese diálogo y esa conexión, no se trata de aislarse y decir “yo creo en mi marca y trato de irme en mi camino solito”. Como has visto en la vitrina, no está solo DNI, hay dos marcas muy diferentes a DNI, Ana Maria Giulfo, que tienen un universo bastante diferente al nuestro, pero tenemos un bonito diálogo con ella, es más, ya se ha vuelto una amiga cercana. Nosotros siempre creemos en el diálogo, por más que la persona sea lo más diferente a ti, si no hay diálogo nunca vas a avanzar. Y Quispe, por más que haga un trabajo diferente, tiene un trabajo interesante, el diálogo entre nosotros es necesario e importante para tratar de crear una mini industria. Si estamos solos, de repente vamos a avanzar más rápido, pero no vamos a crear una industria.
A: ¿Cuál es tu lugar favorito en Perú?
P: La casa DNI es un proyecto bastante personal, que prácticamente es una obra, pues la casa DNI, es la casa al lado de donde nosotros vivíamos. Esa casa es la casa gemela de donde vivíamos. Es un proyecto a largo plazo, pero me siento muy bien ahí porque me siento en casa. El ADN de DNI está ahí, y de cierto modo el ADN de todo lo que hemos creado desde hace más de 5 años. Desde la primera colección que se llamaba “a ti perú”, hasta la última colección “mi abuelo murió bailando”.
Todas esas historias han ido contando cosas importantes para nosotros y creando un diálogo con otros artistas y con la comunidad ahí. Eso es importante, porque no estamos hablando de una capital, sino de una ciudad aislada del arte, de la moda, pues no hay un punto cultural en Casa Grande, no existe.
A: ¿Cómo respondió la comunidad de Casa Grande a DNI?
P: Les gusta. Por más que sea un proyecto de moda bastante lejano, mucha gente nos dice “que lindo que hayan podido construir algo a través de sus recuerdos de aquí”. No muchas personas crean un universo a través de ciudades olvidadas.
A: Justo eso iba a decir, hay una marginalización de lugares fuera de la capital, y sobre todo en la industria de la moda, la gente se trata de olvidar de eso en vez de rescatarlo.
P: O muestran solo lugares turísticos. Que es interesante obviamente, porque tiene un legado cultural importante para nuestro país. Nuestro país es un país textil, no olvidemos que tenemos una historia textil importante, como pocos países la tienen, y que varios se han olvidado. Poquísimos países tienen una cultura textil como la nuestra. Es importante no olvidarlo, porque esta historia textil está muy relacionada a la indumentaria, por más que no estemos en esas capitales de la moda.
A: Estaba leyendo una entrevista de Cosas a Génaro Rivas, y me pareció muy interesante su punto sobre como siempre se promueve a Perú como un país textil de materia prima, con recursos para la industria, pero se olvida que tenemos el poder creativo de convertirlo en otro valor.
P: Perú está especializado en vender materia prima y no material manufacturado. Estamos vendiendo lo más barato y compramos lo más caro. Con la ropa, estás vendiendo uno de los mejores algodones del mundo pero no estás vendiendo un producto manufacturado que podría valer quince veces más. Pero eso ya es tema de política, las capitales donde hay una grande para la moda se han dado cuenta que la moda cuenta. En París, qué decir. Tiene la bolsa de valores más gigante de la moda, LVMH, Kering, entonces sí, en Perú nos falta ordenarnos. Pero en su desorden Perú nos gusta.
A: Me encantaría ver que a nuestras marcas y artistas, se les dé más valor, de parte de los peruanos, de los jóvenes, no necesariamente internacional. A mi me gustaría que mis amigas conozcan estas marcas, que nos emocione ver sus nuevas colecciones y tener prendas de estas marcas.
P: De más en más, vemos que hay un público local, que está entusiasmado de tener marcas locales. Nosotros creemos en lo superlocal. Al fin y al cabo, el lujo o lo que se le puede llamar moda, tiene su gracia en una cierta autenticidad. Una prenda que tenga una historia.
A: ¿Piensas volver a Perú en algún momento?
P: No le tengo miedo a regresar. Estoy con el pie en ambos lados. No estaría en contra de regresar a Perú porque hay espacios interesantes profesionales, hay muchas fallas, y la gente que está ahí ve solo las fallas, pero no el potencial. Cuando estás dentro, necesitas dar ese paso atrás para ver y tener otra perspectiva, para ver que no están tan mal las cosas. Siempre se va a ver el césped más verde en tu vecino. En Perú hay muchas cosas interesantes que están pasando, a veces estoy más sorprendido con lo que veo en Perú que con lo que veo aquí en París. Esas sorpresas son interesantes, es una cuestión de perspectiva.
A: ¿Cuál es el proyecto que más te ha movido este año que has visto en Perú?
P: El proyecto que estamos haciendo con Fabiola, es nuestro primer proyecto en el que agarramos una pieza de arte y la transformamos en una pieza de moda. Solo van a haber 10 ejemplares de esa camisa.
Este proyecto se llama: “¿cabe el arte en una prenda?”. Hicimos con Fabiola la primera temporada, y van a ser varios artistas que vamos a hacer poco a poco, cada 6 meses o 1 año, llamaremos a un artista para escoger una obra, y para hacer una prenda a partir de la obra. Este proyecto me parece muy interesante, porque con DNI hemos ido tratando de desaparecer esa frontera que tiene la moda con el arte, tratar de darles más cercanía.
Y hablando con nuestros amigos sentimos que ya no hay esa frontera tan nítida que había antes, entonces este proyecto me gusta porque hay algo detrás.
A: ¡Qué interesante! Bueno estaremos esperando ver más de este proyecto. Gracias por tu tiempo Paulo.
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Y así, María y yo nos levantamos, y nos despedimos de Paulo, que nos dejó pensando en el futuro, en las oportunidades, en nuestro país… “¿Seguimos de frente?” dice María. “Sí” respondo yo.
